Asociación Cultural sin ánimo de lucro de Nájera (La Rioja). Su fin primordial es el fomento del arte cinematográfico como medio de comunicación social, procurando elevar y difundir la cultura cinematográfica entre sus asociados.
Desde su fundación en 1975 su principal actividad ha sido proyectar en pantalla grande las películas más interesantes de la Historia del Cine.
Un vídeo realizado con estilo de trailer y en el que se muestran unas 100 películas de ciencia ficción. A sus autores les supuso casi un mes de trabajo para realizar el montaje de seis minutos y medio con un resultado bastante espectacular:
Viajar... mundos Exóticos y Maravillosos. ... imaginar Futuros (posibles e improbables, utópicos y distópicos).
Una vez que terminé de ver la serie “Los Soprano”, me entró la curiosidad por saber en qué otras películas había trabajado su protagonista James Gandolfini. Después de comprobarlo, vi que no había hecho muchos papeles como protagonista principal. Viendo las películas en las que había participado, esta noche os propongo a pesar de que no la conocía, una que me llamó la atención, porque su director era el mismo de la última película que propuse, “Fargo”. Vi el tráiler y me pareció que la historia tenía muy buena pinta.
La historia la protagoniza un tranquilo y dócil peluquero (Ed Crane) que gracias a su trabajo es conocedor de un posible negocio que le llena de curiosidad. Después de darle vueltas se pone en contacto con quién se lo había contado y se decide a participar en él, porque cree que le puede resultar muy rentable. Ed sospecha que su mujer (Doris Crane) le engaña con su jefe (Big Dave Brewster), y decide hacerle a este último un chantaje, para poder entrar en el negocio en el que quiere participar, con la intención de salir de la rutina de su vida diaria. El plan termina por resultar no del todo bien ejecutado, algo que Ed no lo esperaba, lo que provocará el desencadenamiento de una serie de eventos de aspecto tragicómicos con consecuencias inevitables para todos los involucrados.
Desconfiad de los silencios. Desconfiad del mudo. Desconfiad de las apariencias. Desconfiad de aquel a quien no veis, o de aquel a quien no queréis ver. Porque en esta historia el protagonista es ese peluquero. El humilde se erige en detonante de los acontecimientos, en eje del desarrollo y en la razón del desenlace. Él es un marido que se deja llevar por las circunstancias, que no discute las cartas que la vida le ha brindado... pero que, sin rebelarse, tiene imaginación jugando.
Entre los aficionados al cine se está planteando cada vez más el debate sobre cómo hay que ver las películas: en versión original o dobladas.
Viendo la situación por países (ver mapa de la situación del doblaje en el mundo) se observa que el doblaje en el idioma de cada lugar es algo, en general, minoritario. Si que está más generalizado el doblaje para las producciones destinadas al público infantil.
El doblaje es una actividad muy relacionada con la costumbre. En los lugares donde es habitual respetar la versión original el doblaje es algo que no se echa en falta. Ni se lo plantean. Les parecería algo tan raro e inverosímil como
doblar voces de los cantantes en otros idiomas.
Situación en España
Veamos el asunto en distintos ámbitos:
En todos los festivales y filmotecas es una duda ya resuelta: todas las películas son en versión original subtitulada.
La pregunta está llegando ahora a los cines convencionales y a las emisiones televisivas de cine y series:
Cuando el visionado es individual no hay debate ya cada uno elige según sus preferencias.
En las grandes ciudades tampoco hay problema ya que en muchos estrenos se ofrecen sesiones dobladas y en versión original a elegir. Esta es la situación ideal.
Acotando por fin el problema: la mayor resistencia la encontramos en el resto de las salas de cine comercial, sobre todo en España, ya que el doblaje es una tradición muy antigua. Además según indican los responsables de las salas el poner la programación habitual en VOSE supondría una disminución del público que acude a las salas, ya muy mermadas en los tiempos actuales.
Historia
El doblaje en España tiene una gran tradición ya que se remonta prácticamente a la aparición del cine sonoro en 1927. Ese cambio tecnológico propició la llegada cada vez mayor de películas habladas en otros idiomas [1]. La posibilidad del subtitulado en la España de la época no era una opción ya que la población era, mayoritariamente, analfabeta.
Posteriormente, durante el franquismo, se legisló a favor del doblaje con una doble intención:
El nacionalismo a través de la identidad lingüística y, de forma más sutil, el control a través de la censura de las ideas extranjeras que podrían ser ajenas a los intereses nacionales.
Fruto de esa gran tradición hay que reconocer que el doblaje en España ha sido de gran calidad:
buenas voces que aportan valor añadido: no son dobladores si no actores de doblaje,
sincronización del movimiento de los labios de los personajes: lo que suponía mucho más esfuerzo en la traducción buscando las labiales adecuadas.
identificación: casi siempre los actores eran doblados por las mismas personas.
Antes se hacía muy bien...
Con la llegada de la televisión paulatinamente esa calidad ha ido disminuyendo:
Hay distintas calidades de equipos de doblaje,
por las prisas muchas veces NO coincide el movimiento de los labios con lo que se dice.
El pluriempleo de los dobladores (en televisión y también en publicidad) hace que su trabajo lo escuchemos vinculado con muchos actores y por ello ya no hay la identificación que había antaño.
A favor de la VOSE
Cuando has visto unas cuantas películas en su idioma original el ver una película doblada supone un choque, notas algo raro que no va bien:
El movimiento de los labios no coincide con las palabras que se pronuncian.
Dejamos de escuchar la voz auténtica del actor/actriz, a quien tanto admiramos y que ha estado preparando ese papel: incluyendo la voz o algún acento particular. Es muy notorio en las películas orientales: en las películas japonesas hablan como cantando una melodía... Y eso se pierde con el doblaje.
La banda sonora (el resto de los sonidos) parece que también se ven afectados... se nota un sonido menos intenso...
El colmo ya son las películas que transcurren en varios idiomas... todos ellos doblados y resulta que aun así los personajes no se entienden. O cuando la trama cambia, como en la película Los Goonies (Richard Donner, 1985) y el curioso caso de la criada "italiana""que en realidad en la VO le habla en hispano pero tuvieron que cambiarlo por el tema del doblaje".
Por resumir, es como si viéramos otra película diferente.
Otra aberración que tenemos son las películas rodadas en las otras lenguas oficiales (catalán, euskera y gallego) y que en España se estrenan dobladas al castellano. Sin embargo cuando se estrena en otros lugares (en París por ejemplo) allí si que pueden disfrutar de las voces en el idioma original.
Algunas falacias
El ver películas en VOSE es bueno para aprender inglés. Si bien puede ayudar no es del todo cierto ya que el universo cinematográfico es más amplio y, por fortuna, nos llegan películas en francés, alemán, sueco, griego, japonés, chino, hindi, iraní, ... y español, por supuesto.
Con el doblaje se favorece nuestro propio idioma. Pero se perjudica a nuestra industria del cine español ya que se le entrega a la competencia nuestro idioma (patrimonio nuestro) a costo cero... y luego, encima, quitan presencia de las películas españolas en las salas. La versión original, por lo menos en un principio, mejoraría la taquilla del cine en español.
La voz doblada es mejor: A veces nos encontramos con que la voz del doblador es de mejor calidad que la del actor. Eso es inevitable ya que los actores de doblaje tienen una gran voz y podrían trabajar como locutores de radio. Hay muchos actores cuya voz no era tan potente como pensábamos: Humphrey Bogart, Clint Eastwood, tienen una voz arrastrada... pero es la que han decidido que le encaja mejor para hacer más creíble al personaje.
Y ahora el trailer en versión doblada al castellano.
Doblaje creativo
Destacamos en esta sección aquellas películas en las que el argumento es diferente si la película es en versión original o doblada. A veces son meros detalles pero en otros casos son variaciones importantes en lo que vemos o se da entender en la pantalla, variaciones creativas (recuerda a lo que decía el recordado Luis García Berlanga sobre las imposiciones de la censura: él solicitaba que el nombre del censor también apareciera en los títulos de crédito).
Película
Momento
Versión doblada
Versión original
Cualquier película de frontera...
Cuando hablan personajes en distintos idiomas.
Varios personajes hablan todos en español, e incluso con el intérprete ¡no se entienden!.
Cada personaje habla en su propio idioma, por eso no se entienden.
El episodio 1 enterito tiene una variación argumental increíble.
Se supone que Sherlock Holmes y Watson disimulan y hacen como que no se conocen (no se por qué motivo).
Sherlock Holmes y Watson realmente no se conocen. Es el episodio 1 se hacen amigos y Watson se instala a vivir con Sherlock Holmes para el resto de la serie.
[1] Conviene destacar otra estrategia diferente que también se aplicó: las dobles versiones de las películas, en el idioma original y en español.
Se trataba de rodar 2 películas con el mismo guión y los mismos decorados. A veces eran películas en las que actuaban los mismos interpretes, otras veces se seguía el mismo plan de rodaje, una película se rodaba por el día y la otra por la noche. Este sistema duró pocos años probablemente por sus elevados costes. Estos son unos ejemplos:
A mi me gusta el cine en general y de todas las épocas en particular. Hoy quería proponeros que veamos una película clásica. El hecho de que su título no haya sido traducido me hace suponer que en España es poco conocida. Yo tuve ocasión de descubrirla en una edición del Festival de San Sebastián de hace algunos años y recuerdo que me dejó bastante impactado.
La historia que cuenta la película transcurre en Hirta (Islas San Kilda, Escocia) y está basada en hechos reales. “Habitada desde tiempos prehistóricos, la población fluctuó hasta que el 29 de agosto de 1930 sus últimos 36 habitantes permanentes serían evacuados hacia Escocia”. El director leyó esta historia en la prensa y quiso rodarla en el mismo lugar. Finalmente no fue posible y la película se rodó en Foula (Islas Shetland, Escocia) que cuenta con impresionantes acantilados.
Un detalle del inicio: es que se menciona «Última Thule», que en la geografía romana y medieval denota cualquier lugar distante situado más allá de las «fronteras del mundo conocido». O lo que es lo mismo: el borde del mundo, que es la traducción literal del título.
La película The Edge of the World (1937) es la primera del cineasta Michael Powell. Aunque ya tenía tras de sí una etapa de artesano en la que trabajó para un estudio haciendo “23 películas dentro del sistema de producción de las llamadas quotas”. Muchas de ellas se perdieron y no han llegado a nuestros días.
Quotas: Películas de una hora de duración necesarias para satisfacer un requisito legal que existía en los cines británicos: una cierta cuota de pantalla de las películas británicas. Durante este período, desarrolló sus habilidades como director, haciendo a veces hasta siete películas al año.
Lo que pensaba decir sobre la película de hoy ya fue escrito en el diario del festival de San Sebastián de 2002:
“...se trataba de plasmar la progresiva despoblación de algunas islas escocesas en las que la vida se iba haciendo progresivamente más difícil en los años 30: la naturaleza agresiva en forma de brumas, tormentas, temibles acantilados y tierras poco agradecidas, invitaba a abandonar la tierra de los antepasados.”
Imagen de 'The Edge of the World (1937)' - La comunidad en asamblea
“Michael Powell, con la mirada puesta sin duda en Man of Aran (Hombres de Arán) de Robert Flaherty, logra un filme algo desequilibrado en el flujo narrativo, pero apasionante y asombroso en su planteamiento y sus imágenes. A partir del regreso de un hombre a la isla abandonada, junto a unos turistas (entre ellos el propio Michael Powell en una breve aparición), se narra en flashback la historia de Andrew, su buen amigo Robbie y la hermana de éste y amada de aquél, Ruth. La rivalidad entre dos familias representa las dos opciones: quedarse en la isla y seguir haciendo frente a una situación insostenible, o emigrar en busca de una tierra más amplia y amable.”
Imagen de 'The Edge of the World (1937)' - Espectaculares acantilados
“...en un filme que tuvo poca suerte y casi desapareció hasta su restauración en 1989. Ahora se puede apreciar la belleza sobrecogedora de su luz, de sus brumas, de sus fantasmas sobreimpresionados, de sus espectaculares acantilados, de los encuadres siempre cuidadísimos y a veces casi imposibles de Powell, en un hermoso retrato de una comunidad, en la frontera de la ficción y el documental.”
Imagen de 'The Edge of the World (1937)' - Naturaleza agresiva
Espero que os guste y que en la próxima reunión de CineEnZapatillas nos de pie para hablar de un tema similar aplicado a nuestra región: el abandono progresivo del campo para ir a la ciudad, el envejecimiento de la población rural y la desaparición, tarde o temprano, de algunos pequeños pueblos.
Uno de los géneros que todavía no hemos paladeado en CineEnZapatillas es el terror. El cine desde mi punto de vista (y creo que el vuestro) nos apasiona porque nos hace sentir cosas, a veces nos hace sentir bien, a veces nos deja intrigados o nos divierte, a veces nos enseña y otras veces nos da miedo, es lo mismo. El cine es cine porque nos hace sentir...
Es difícil que una misma película haga sentir lo mismo a todo el mundo, solo los mas grandes directores han creado obras que no se ven afectados por el momento de aquel que la disfruta, su estado de ánimo o el tipo de espectador. El terror no escapa a esto, aquello que puede hacernos tiritar de miedo en un momento de nuestras vidas nos dejara frío en otras o simplemente nos parecerá pueril. A unas personas ciertas cosas le producen pánico o simplemente le repulsan y a otros les da risa o indiferencia.
Esta no es una película de terror total, que nos haga agarrarnos al sofá, o si lo es, dependerá de cada uno, porque como dije, creo que esas películas no existen. Pero si que tiene todos los elementos del género y a mi entender bien distribuidos.
"Déjame entrar" es una película que trata de un tema muy popular (os recomiendo que no miréis en Internet pues se pierde parte de la gracia) pero contado desde un punto de vista mucho menos comercial y a mi entender más tenebroso, mas real. Viviréis momentos tensos, mucho más si os metéis en la piel de los personajes. Y las situaciones creadas si las meditamos, serán mucho más duras que las propias imágenes.
Además veréis que dentro de cada uno de nosotros existen miedos ancestrales que deberían de atemorizarnos más que cualquier Nosferatu o zombie. Veréis que dentro de cualquier ser humano sea niño o adulto existen monstruos de la peor calaña: la soledad, la incomprensión, la indiferencia, la incomunicación, el abandono... a veces el hombre y sus actos son peores que el peor de los males.
No desvelaré apenas nada del guión, solo os diré que narra la historia de un niño inadaptado que vive con una madre hiperreligiosa que está en proceso de separación de su marido, sin amigos ni relaciones conocidas y que un día conocerá a una niña terriblemente inquietante que se traslada a su barrio.
Me resultó muy curiosa y perturbadora cuanto menos y demostrando que aunque lo parezca, todo no esta inventado y existen puntos de vista diferentes que hacen pensar y temer. A veces el guión parece demasiado previsible, pero es la forma de tratar la historia y sus implicaciones la que me dio más temor y no la historia en si misma. Esta basada en una historia de John Ajvide Lindqvist y es un remake de una película del mismo nombre rodada en Suecia. No he podido ver la original pero la opinión crítica coincide en que esta, la mejora en cierto modo.
Del director apenas conozco Monstruoso con su extraña forma de rodaje pero creo que en esta cinta realiza un gran trabajo creando un ambiente frío y a veces tétrico alrededor de unos personajes más que interesantes.
Rodado en Haro, Miranda de Ebro, Logroño, Alcanadre, Baños de Río Tobía y Nájera.
Argumento:
Julia, una joven madre soltera que acaba de ser despedida de su trabajo, se encuentra en la estación de tren con Fernando, que está celebrando su despedida de soltero. Este encuentro producirá un efecto #despedida2.0.
En Nájera, Octubre, Noviembre y Diciembre de 2012.
El Cine Club Hexágono comienza una nueva temporada en el Cine Doga de Nájera. En la escasa oferta cultural de Nájera aportamos la proyección de buenas películas de cine en pantalla grande.
Las circunstancias actuales de crisis también nos afectan y el futuro se presenta incierto. Recortes en las subvenciones, menor número de Socios (por cuestiones biológicas, porque los jóvenes buscan lo que puede ofrecer el cine en otras pantallas más pequeñas,...) y la disminución de espectadores que acuden a las salas de cine en general. Hemos decidido pasar a proyectar 12 películas por temporada para mantener la Cuota Anual de Socio en 30 Euros. Para poder proyectar más películas necesitamos crecer en nº de Socios.
Para iniciar la temporada nos alegra tener una actividad cultural especial: la presentación oficial de un corto. Antes de la película proyectaremos el cortometraje#despedida 2.0 (2012) dirigido por el najerino Pedro Segarra y Jorge Bravo. Este trabajo ha sido seleccionado para participar en la edición 2012 del Octubre Corto de Arnedo, en la sección Cortos de Origen Rioja y ha tenido una buena acogida por parte del público.
Además ya sabéis que la primera película es gratis para todas las personas que quieran acudir, es el día de puertas abiertas como celebración del Aniversario del Cine Club Hexágono. Animad a vuestros amigos y familiares a venir al cine. Las demás películas serán gratis para los Socios del Cine Club Hexágono quienes deberán presentar el Carné de Socio al entrar en la sala. El resto de público (No Socios) que quieran ver la película podrán comprar su entrada en taquilla.
Las proyecciones son los Viernes en el Cine Doga a las 21:30h:
Os recordamos que los medios de comunicación que tenéis a vuestra disposición para consultar cualquier duda sobre el Cine Club Hexágono e informaros por si surgen novedades o cambios de última hora son:
Una noche de las tantas que uno se sienta frente al televisor a zapear, me encontré con una película empezada a la que no me importó ni mucho menos terminar de ver sin saber su título, ni el nombre de sus actores, pero a la que quedé prendado irremediablemente hasta el final.
Hoy, al menos veinte años después y a raíz de una de las primeras charlas de cine en zapatillas en la que la saqué a colación como desconocida y reconocida, y tal vez por una extraña alineación de los astros, curioseando en la filmografía de James Caan, de pronto... ¡zas!. ¡Esta es la peli!, ésta es la que me tuvo fascinado aquella noche de aquel remoto año.
TRAMA
Frank Hohinter (James Caan), es un exquisito, obstinado e impulsivo ladrón de diamantes con cierta reputación, que acaba de cumplir condena en la cárcel. A su salida, conoce a un ganster que le ofrece hospitalidad y le propone que trabaje para él en un robo importante, a cambio de una cuantiosa cantidad de dinero. La intención de Frank es dar un par de golpes buenos más, retirarse y formar una familia. Pero surgirán ciertos desaguisados con su nuevo jefe a los que tendrá que poner solución...
FASCINANTE
Suena a tópica la trama pero la verdad es que está plasmada de una manera auténtica, comparando quizás con el torreón de películas del montón con el mismo o parecido cliché. Tiene brío y estilo propio, mostrando además peso humano y profundidad en los personajes.
Sientes cierta empatía con el protagonista al que tienes siempre cercano a pesar de ser un delincuente.
Cercano y presente te sientes también en las secuencias de la perpetración de los robos, que son de corte casi documental, como yo nunca los he visto en ninguna otra película.
ARTÍFICES
Es la primera película de MICHAEL MANN (Corrupción en Miami, Heat, Colateral, etc.) como director y guionista, aunque el guión esta basado en la novela “The invaders inicio” del escritor FRANK HOHINTER. Si, si, curiosamente el mismo nombre que encarna el protagonista. Al parecer, homenajea al escritor que además fue, también, ladrón profesional. Pero ahí no acaba todo puesto que ni más ni menos se cuenta con los servicios de asesoramiento para el rodaje, de un famoso ex ladrón de joyas llamado John Santucci.
JAMES CAAN en esta película comparte cierto estilo con el personaje de “Sonny Corleone”, que encarnó nueve años atrás en “El padrino”. (Os acordaréis de él en la mítica escena, en el peaje dentro del coche, donde lo acribillan a tiros).
En el resto del reparto se encuentran: TUESDAY WELD, (su chica); el guitarrista country WILLIE NELSON, (su ex colega de prisión y confidente); JAMES BELUSHI, (su socio); ROBERT PROSKY, (el ganster)... etc. Todos a un gran nivel.
THE END
Una película para pasar algo más que un rato frente a la tele, una película para disfrutar de cine de calidad, creado con garra y con ganas, cine de los setenta y ochenta, que el tiempo, lejos de erosionarlo, lo curte y consagra como testimonio de una época a la que siempre a uno le gusta recurrir.
Para estos días de verano os propongo, (como dice la canción “walk on the wild side” de Lou Reed) dar una vuelta por el lado salvaje.
Y no se me ocurre mejor consejero para ello, que el irrepetible Félix... Si, porque yo fui uno de esos que aprendí a querer a los animales viendo sus maravillosos capítulos de EL HOMBRE Y LA TIERRA; También fui de los que humedecieron sus ojos (me acuerdo) aquel injusto día de 1980 cuando se estrello su avioneta en la gélida y virgen Alaska.
Además me da especial ilusión “adornar” CineEnZapatillas con esta incombustible serie. Su inédita forma de filmar a los animales, el poder balsámico e inimitable de la voz en off de Félix, la extraordinariamente consecuente música, siempre estarán vivas. Siempre tendrán efecto esas historias en forma de cuentos que como un niño que todos llevamos dentro te dejan expectante y embriagado hasta el final.
Para hoy os propongo uno de mis favoritos, el capítulo se llama: TAIGA, EL AZOR y cuenta la historia de una relación temporal entre un pájaro de presa salvaje y un hombre. Como si se tratase de un rollito de verano, intenso, fugaz y ...salvaje.
Taiga, el azor (Serie Ibérica)
Mediante las reglas medievales de cetrería, amansa y adiestra al ave, hasta ganarse su voluntad. De esta manera, empleando cámaras de alta velocidad, consigue realizar un completo estudio fotográfico de los asombrosos movimientos de esta rapaz.
En el lugar de vacaciones los veraneantes están disfrutando del merecido descanso... en ese momento llega M. Hulot “como un soplo de aire fresco en sus vidas” (esto es literal) y las cosas empiezan a cambiar...
Os sugiero una película que nos cuenta unas vacaciones muy peculiares. M. Hulot es un personaje que creó Jacques Tati inspirado en el personaje de Charlot: es un hombre de pocas palabras, un poco excéntrico y que conecta muy bien con los niños... Con este personaje aparece en varias de sus películas.
«reúne inteligencia, entretenimiento, sensibilidad, análisis y emoción, magia y poesía; es una fascinante danza escenificada en cine y una lúcida expresión de vida en la que late la sabiduría del genio y el corazón del ser humano»
Son 4 historias que cuentan el día a día de la camorra siciliana y napolitana, Aunque todo el mundo sabe lo que ocurre, nadie se atreve a denunciar. Una vez se está metido en ese mundillo, es muy difícil salir de él. La gente se deja llevar y se intenta aprovechar de lo que le pueda tocar.
Propongo esta película por la actualidad del tema y por la ternura que me inspiran estos aprendices de "delincuentes" comparados con los actuales de cuello blanco que estamos padeciendo en este país. Es muy divertida y seguro que ideal para pasar un buen rato cualquier tarde de este próximo verano. Además porque creo que a un genio como Woddy Allen le debemos una o más de una.
En esta entrada nos hacemos eco de la publicación de un libro especial sobre cine. Es sobre películas que tienen legiones de seguidores hoy en día y que en el momento de su estreno o bien ya fueron obras maestras, o bien no tuvieron éxito, ignoradas o masacradas por la crítica, o bien fueron recuperadas a partir de algún Cine Club por nuevas generaciones de espectadores o bien son películas muy frikis.
Hoy os propongo una obra algo pasada de moda y ligeramente sosa, que no aporta las mejores interpretaciones ni un guión asombroso, y en la que tendréis que poner un poco de vuestra parte para llegar a completar su visionado. Su título hace mención a un truco antiguo del cine que permite simular que es de noche rodando de día.
La noche americana me gusta mucho y os la recomiendo porque se trata ni más ni menos que de una preciosa declaración de amor al cine, realizada por uno de los directores más apasionados por este arte total. Consiguió el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa de ese año.
François Truffaut, director fundamental de la Nouvelle vague e impulsor de los míticos Cahiers du cinéma, realiza esta película de cine dentro del cine, en el que a su vez es actor-director y director.
Todos sus trabajos son importantes pero a mí personalmente me sigue maravillando los 400 golpes (François Truffaut, 1959), en la que debuta como joven actor Jean-Pierre Léaud, del que se decía que era su alter ego, y con el que colaboró en un total de 8 películas. Lo vemos a la izquierda de la imagen inferior.
Con el cine podemos conocer otros lugares, otras culturas, otros tiempos y otras vidas.
Por medio de historias reales o inventadas podemos soñar con mundos exóticos y maravillosos. Es decir: es un medio que nos permite viajar y aprender, ponernos en el lugar del otro, conocernos a nosotros mismos, conocer el pasado e imaginar futuros (posibles e improbables, utópicos y distópicos). El cine es un refugio para la soledad, un gran vehículo de trasmisión de conocimiento y cultura y por supuesto: un gran espectáculo.
Ver cine juntos como actividad social, en el cine y en pantalla grande.
Además las películas, incluidas las que son malas, son fedatarios culturales: son documentos que muestran cómo era la forma de vida (vestido, peinado, costumbres, transporte, relaciones sociales,... ) en el mundo en el tiempo en que se rodaron.
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